从点出发——吴亚鸿的蚂蚁水墨世界
文／思凡
《抉择》 吴亚鸿水墨画
一直以来，吴老师总是对前辈尊敬；对平辈友爱；对后辈扶持。做事认真、负责，所以由他一手所创的“博雅造形艺术中心”才会在巴生屹立不摇，因为在那，着实培养了不少儿童美术的天才。每一年，都举行一次“庄金秀美术奖”颁奖礼，以鼓励儿童继续往美术方面发展。
对于美术的发展与传承，他自有一套看法，他曾对我说：“我认为不可以否定传统，而只一味追求所谓现代。因为否定传统，我认为是很不礼貌的。没有传统，就不会有所谓的现代。”又说：“不需要去分割传统与现代，因为那是一种不断传承的现象，而不是断层似的延续。”
点…..
直到现在，我还是记得很清楚，当我第一次看到吴老师的作品时的震撼。那是我还在念初中的时候了。他展出的是一幅以蚂蚁为主题的作品。那时，我一直不能明白，为何有人会用蚂蚁作为绘画的主题，只记得那时候我所看到的，是一群成千上万的蚁群，从四面八方，朝画面中央刻着“吴”字的圆形印章走去，而题目是：“集会”。更记得那时我瞪着那作品好久、好久，一直未能平伏心中的波动。很久以后的今天，回想起那时的激动，余韵依存。
众所周知，吴老师是一名以蚂蚁成名的水墨画家，正如他自己说的：“蚂蚁是一个点。而点是没有方向的，而且包容性很大。你可以有无限自由的去设定它的方向。”这句话，让我的心有顿悟的振动。有一则故事祥和大家分享：
有一个人在森林中迷路了，一直找不到出路的他，非常的紧张。就在他感到绝望的时候，他遇上一位老人，因此他便急忙求救于老人，于是有以下的对话：
迷路的人：“老丈啊，我迷路了，请您指点。”
老人：“现在你站定了吗？”
迷路人：“站定了。”
老人：“有方向吗？”
迷路人：“没有。”
老人：“很好，那你可以自由的选择。”
迷路人：“我不明白，事实上，我被困在这了。”
老人：“不，事实上，现在的你，有绝对的选择的自由。”
迷路人：“怎么说呢？”
老人：“别慌，这森林是有限的，无论你选择哪条路，总会走得出去的。”
迷路人：“真的吗？”
老人；“是的。以放松的心情，看待这次的旅程吧。”
最后，那人真的走出了森林，从此，他的生命便起了很大的转变，永远不再和以前一样了。
吴老师的作品，以点做为出发，因此，他的创作是自由的，甚至是可以从四面八方去观赏它的创作。没有方向的方向，才是真正自由的方向。从这一点出发，或许你也可以领悟出更深一层的人生哲理。
线……
吴老师告诉我：“由一只蚂蚁为点，做为出发，然后再多画一只的话，就会出现线的效果，这时候，才有方向。”
方向，对于一名艺术创作者是很重要的。在这一点上，吴老师在他的教学上是绝对强调的。除了自身的书法及水墨画创作之外，在教学上，他从来就是主张要理性的学习，然后要感性的创作。而这个感性，必是方向明确的，否则的话，不能集中的东西，是不可能有境界可说的。
说到这，要先提到一位西方美学的著名人物。在西方绘画史上，曾出现一个小小的派别，维持的时期也不很长，它被称为“风格派”，约从1916年吹起而约到1930年渐转式微。这派别的主要人物是蒙德里安（Piet Mondrian 1872~1944）。他将所有复杂的绘画线条简化再简化，直到在他眼底及心中只剩下两种：垂直及水平。他的创作是非常的逻辑的，然而，在逻辑之外，奇异地，他成功的将视觉之惊异及心灵的诗情画意和谐地结合在一起。
之所以提到蒙德里安，是因为在吴老师的部分创作系列中，偶会出现类似蒙德里安似的构图。吴老师也曾对我说蒙德里安是影响他绘画创作人物之一。蒙德里安于西方美学之构图学上，可说是将以上两种线条之张力发挥到极至的代表人物。
话说回来，已经忘记是谁对我说过这世上，其实并没有绝对的直线，因为只要你将直线一直延伸下去（比如说绕着地球一圈），在最终，这直线就会在它的起点结束。因此，在几次的对谈中，吴老师总会向我提到“太极”。他说，“太极是一个圆，而这个圆当中的 Ｓ 字形的一边是白底黑点，另一边是黑底白点，表示你中有我，而我中有你的融合境界。”
诚然，说白了，东方艺术所需了解的高深境界，其实就是那一阴一阳的相容圆融。知道的人多，可真正做到的少，而吴老师，我想，是领悟到这道理了。
《观自在（二）》
面……
点和线的结合，会产生面。这是所有涉及美学的人都知道的事。然而，这点、线及面就如字面上所说的那么简单吗？我想，在某方面来说，就是这么的简单，我们不需要去将原来简单的东西复杂化。
而从另一方面来说，其中着实有着很深的学问。怎么说呢？点、线和面原本就是可以独立存在的因素，若要将它们结合起来成为一幅艺术创作，那么，这就会涉及到结构学及几何学。搭配得好，那么画面才会产生无限的张力供观赏者尽情的欣赏及回味。
在吴老师的创作当中，我特别喜欢他以古篆和蚂蚁结合的系列作品。蚂蚁为点，古篆为线，色块为面。对我来说，那是另一种层面的冲击和感动。这里头，我看到了怀古；我也看到了蜕变，我看到了传承，更看到了延续。这系列的创作很东方，然而，画面所引起的布局观点却是很西方的。可是，这东西方的相遇，是那么的矛盾，却又是那么的和谐，而这种和谐是隐藏的。古希腊哲学家，赫拉克里斯特（Heraclitus）有这么说过：
《澄怀（二）》
隐藏的和谐胜于明显的和谐。 
对立会产生和谐。从不调和中会来到最公平的和谐。
瞬间万变中可以找到和谐。
而人们无法了解的是：
相互矛盾的事物本身是如何地相互赞同。
这是一种很深层面的领悟，什么是隐藏的和谐？
你看那分开大堂两端的大柱。它们总是永远对立的相望（或是相背？），只是，整个屋顶必须靠这几根相对立的柱子支撑，才不至于倒塌下来。体会到了吗？那隐藏着的和谐，其实就是“平衡”。
我们总以为，只要没有纷争，和平就会出现。只是，我们没有想到，要是真的没有了纷争，慢慢的和平也一样会消失。因为和平是相对于纷争而言的。别误会我在支持纷争或混乱。我只是在强调着那个相对的平衡。
昼与夜。当昼升起时，难道夜就不在了吗？当夜降临时，昼就消失了吗？当然不是。它们谁也没有消失，它们只是和谐的在适当的时刻调和了自己的状态~你弱时，我盛；我弱时，你盛。如此不停的循环，不停的交替，才使生命有了作息的时间。那时理性的科学现象，也是感性的容合现象，那是一种平衡。可只要这一种平衡被破坏了，那么，会产生一些什么样的后果，着实是非我们所能想象得到的。
吴老师的创作，有着这种隐藏的和谐，要是你没有这一层的领悟，那么，你也就无法读透吴老师在他艺术创作上所要传达的讯息了。在最近一次和他的交流中，他曾说过：“我们一直都认为东方艺术讲究的是，人格的修为能提升艺术的境界，我是很赞同的。不过，现在这时候，我们不妨也从另一个层面来看，那就是，如果作品达至某个境界，那就表示，他的人格自然的就达到了那境界。”对这句话，我的理解是：一幅作品所呈现的张力，显示了画者本身习性。这其中的关键在于艺术家本身对自己的自我要求的程度的高低。那次的会谈，吴老师让我上了宝贵的一课。
澄怀（一） 吴亚鸿水墨画
结语…
“蚂蚁是一种绝对忠心的生物，它的一生，就只忠于它认定的蚁后。而且它们的团结及合作，是我们该学习的对象。”吴老师如是说。
“对一幅作品的寿命来说，作者赋予它70%的寿命，而其他30%则来自观赏者，它才能绵绵不绝的流传下去。”吴老师如是说。
艺术的生命，来自生命本身。艺术家的艺术生命，来自艺术的内在觉悟。在通往艺术的这条路上是存在着很多艰辛、寂寞及困境的。然而，人世间的日常生活，却明显的少不了艺术的点缀。不，以其说点缀，不如说艺术是生命的炼金术。它能提升我们的生灵，也能涤洗我们心灵上的尘埃。
习惯性的，我们会拿这人的作品和那人的作品作比较。但是，我们常忘了自己的立足点在哪。怎么说？吴老师曾对我说：“什么时代的艺术家，就必须创出属于那时代的艺术。”只是，艺术家并非平空出现，他得经过岁月的洗礼，锲而不舍，再加上自己的原性创作，才能有所成就。艺术创作也需要养分做为创作的动力。比较是不必要的，重要的是看看自己的创作是否存在着“独特原创性”的成分。
有人说艺术已经不可能有原创性可言，因为所有具体或非具体的事物，都已经有人画过，做过及尝试过了，试问，你能否提出有什么是还没被人画过的吗？如果以上那句话是正确的（假设它是正确的话），那么，谁又能确定自己的创作乃属于原创呢？如果这句话是不成立的，那么，每一位艺术家的作品，都可以说是原创的，因为每位艺术家总有着自己的用笔、用色的方式，也有着自己思维的层次，也有着自己对艺术的认知及体悟。
《菩提树下》吴亚鸿水墨画
吴老师说：“虽然画家都有自己的思想与笔墨，那也不能确保作品的艺术独特性。因为思想有层次，笔墨有高低，这些差异都会产生不同水平的‘原创’。 ”
他强调，真正好的艺术创作，不是你画什么，而是你怎样画。独特的艺术一定是原创的，但原创的未必是独特的。
艺术有创新，也有传承的含意。这篇文章因为篇幅有限，无法细谈吴老师的创作。不过，以吴式蚂蚁作为一个开端，未尝不是一种方式，再让大家慢慢的进一步解读吴亚鸿的艺术世界，因为，除了蚂蚁之外，吴亚鸿还是当时第一位画“麻雀站在窗口上”的年青画家。慢慢的品尝，静静地观看，然后深深地感觉，吴亚鸿的水墨世界，是动人，是传统，也是现代的。
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